Paulina Ołowska

Paulina Ołowska

 

IT
 
*1976, Polonia, vive e lavora a Cracovia, Polonia
 
 
DZYDZILELYA / 2016 / costume
 
MORENA / 2016 / costume
 
DYDEK / PERKUN / 2016 / costume
 
PEPPERUGA / 2016 / costume
 
LELUM / 2016 / costume
 
WOLAS / 2016 / costume
 
all works courtesy of the artist and Fundacja Galerii Foksal, Warsaw
 
DISCRETION / 2019 / installation
 
PATCHWORK SEAMSTRESS IN UNKNOW DWELLING / 2019 / installation
 
DISCO OFELIA AND ELEUTER HOUSE (AFTER JAROSŁAV IWASZKIEWICZ) / 2019 / installation
 
BAKERS HOUSE ROBE AND CHATKA MALOLATKA / 2019 / installation
 
all works courtesy of the artist and Simon Lee Gallery, London
 
 
 

La pratica poliedrica di Paulina Ołowska (*1976, Polonia) si ispira alle utopie moderniste, alla cultura popolare americana e dell’Europa orientale, al femminismo, al design e alle questioni legate al consumismo. L’artista fa spesso riferimento a figure del passato e cerca storie dimenticate, per esplorarne il valore in una prospettiva storica e al contempo in una dimensione attuale. È inoltre interessata agli effetti del vivere e lavorare in un ambiente rurale remoto, come lei stessa ha fatto per anni.

“Destroyed Woman”, presentato in parte alla Biennale, è un progetto di Paulina Ołowska liberamente ispirato a tre racconti “sulla decadenza e la passione” scritti da Simone de Beauvoir e pubblicati nel 1967. La reinterpretazione di Ołowska dei racconti della scrittrice sull’invecchiamento, la solitudine e l’amore vissuti dalle protagoniste femminili offre una nuova prospettiva contemporanea nella rappresentazione della donna e della sua vulnerabilità. Il progetto consiste in una serie di sculture sviluppate in collaborazione con lo stilista Michał Wisniewski e basate su alcuni abiti da lui disegnati, che sono stati prima seppelliti nel terreno, poi riesumati, le loro forme ingabbiate da una struttura metallica e coronate da una casa di ceramica che prende il posto della testa di un manichino.

Per la Biennale Gherdëina 7, Paulina Ołowska inoltre ha presentato una versione site-specific della sua acclamata performance-cum-tableau vivant “Slavic Goddesses and the Ushers”, messa in scena nel paesaggio mozzafiato sul monte Pilat durante la serata inaugurale.

Rivisitando l’opera di Zofia Stryjeńska (1891-1976), Paulina Ołowska esplora l’idea visionaria dell’artista polacca che vedeva il balletto come una “ghirlanda di cerimonie”, disegnando costumi basati sulla serie di dipinti della pittrice intitolati “Bożki słowiańskie” (Divinità slave) del 1918. Questi abiti surreali, con i loro enormi copricapi e le loro decorazioni di piume di pavone e spighe di grano, raccontano di figure fantasiose della mitologia e del folklore slavo: dee della malizia, della prosperità, del destino, della primavera, dell’inverno e del cielo, con “corpi di argilla, capelli di grano o rami, spine e cardi”. Un’originale partitura dell’artista americano Sergei Tcherepnin mescola suoni cosmici con le tradizionali Mazurche, Polka e Oberka, oltre che con la “discoteca spirituale” e la tradizione musicale locale della Val Gardena. Tcherepnin ha composto così una variazione elettronica, un etereo paesaggio sonoro site specific, suonato tramite altoparlanti collocati al maso Pilat. Sulla sua musica si muovono e danzano le Dee slave.

DE
 
*1976, Polen, lebt und arbeitet in Krakau, Polen
 
 
DZYDZILELYA / 2016 / costume
 
MORENA / 2016 / costume
 
DYDEK / PERKUN / 2016 / costume
 
PEPPERUGA / 2016 / costume
 
LELUM / 2016 / costume
 
WOLAS / 2016 / costume
 
all works courtesy of the artist and Fundacja Galerii Foksal, Warsaw
 
DISCRETION / 2019 / installation
 
PATCHWORK SEAMSTRESS IN UNKNOW DWELLING / 2019 / installation
 
DISCO OFELIA AND ELEUTER HOUSE (AFTER JAROSŁAV IWASZKIEWICZ) / 2019 / installation
 
BAKERS HOUSE ROBE AND CHATKA MALOLATKA / 2019 / installation
 
all works courtesy of the artist and Simon Lee Gallery, London
 

 

 

 

Die facettenreiche Praxis von Paulina Ołowska (*1976, Polen) ist inspiriert von modernistischen Utopien, amerikanischer und osteuropäischer Populärkultur, Feminismus, Design und Konsumverhalten. Die Künstlerin bezieht sich oft auf Figuren aus der Vergangenheit und sucht nach vergessenen Geschichten, um deren Wert in einer historischen Perspektive und gleichzeitig in einer zeitgenössischen Dimension zu erforschen. Weiters interessiert sie sich für die Bedingungen des Lebens und Arbeitens in abgelegenen ländlichen Umgebungen.

Für das Projekt „Destroyed Woman”, welches in Teilen bei der Biennale Gherdëina präsentiert wird, ließ sich Paulina Ołowska von drei Kurzgeschichten „über Dekadenz und Leidenschaft” von Simone de Beauvoir aus dem Jahre 1967 inspieren. Die Neuinterpretation dieser Erzählungen über das Altern, die Einsamkeit und die Liebe der weiblichen Protagonistinnen bietet eine neue zeitgenössische Perspektive auf die Themen von Weiblichkeit und Verletzlichkeit. Das Projekt besteht aus einer Reihe von Skulpturen, die in Zusammenarbeit mit dem Designer Michał Wisniewski entwickelt wurden. Sie basieren auf den Kleidungsstücken des Designers, die zuerst in der Erde vergraben und dann exhumiert wurden, wonach sie zu neuen Kreationen zusammengenäht und von einer Metallstruktur eingefasst wurden, sowie von einem Keramikhaus gekrönt werden, das den Platz des Kopfes einer Schaufensterpuppe einnimmt.

Bei der Biennale Gherdëina 7 präsentierte Paulina Ołowska auch eine ortsspezifische Version ihrer gefeierten Performance, bzw. ihres Tableau vivant „Slavic Goddesses and the Ushers”, die während der Eröffnungsnacht in der atemberaubenden Landschaft auf dem Pilathof inszeniert wurde.

Unter Bezugnahme auf das Werk von Zofia Stryjeńska (1891-1976) untersuchte Paulina Ołowska die Vorstellungen dieser visionären polnischen Künstlerin vom Ballett als „Zeremonienkranz”, und entwarf Kostüme, die auf der 1918 entstandenen Gemäldeserie der Malerin mit dem Titel „Bożki słowiańskie” (Slawische Göttinnen) basieren. Diese surrealen Kostüme mit ihrem riesigen Kopfschmuck und Verzierungen aus Pfauenfedern und Weizenähren erzählen von fantasievollen Figuren aus der slawischen Mythologie und Folklore: Göttinnen der Bosheit, des Wohlstands, des Schicksals, des Frühlings, des Winters und des Himmels, mit „Körpern aus Ton, Haaren aus Weizen oder Zweigen, Dornen und Disteln”. Eine Originalpartitur des amerikanischen Künstlers Sergej Tscherepnin vermischte kosmische Klänge mit den traditionellen Mazurken, der Polka und Oberka, sowie der „spirituellen Disco” und der lokalen Musiktradition Grödens. So hat Tscherepnin eine elektronische Variation komponiert, eine ätherische, ortsspezifische Klanglandschaft, die über Lautsprecher gespielt wurde, eine Musik, nach der die slawischen Göttinnen sich bewegten und tanzten.

 

 

EN
 
*1976, Poland, lives and works in Krakow, Poland
 
 
DZYDZILELYA / 2016 / costume
 
MORENA / 2016 / costume
 
DYDEK / PERKUN / 2016 / costume
 
PEPPERUGA / 2016 / costume
 
LELUM / 2016 / costume
 
WOLAS / 2016 / costume
 
all works courtesy of the artist and Fundacja Galerii Foksal, Warsaw
 
DISCRETION / 2019 / installation
 
PATCHWORK SEAMSTRESS IN UNKNOW DWELLING / 2019 / installation
 
DISCO OFELIA AND ELEUTER HOUSE (AFTER JAROSŁAV IWASZKIEWICZ) / 2019 / installation
 
BAKERS HOUSE ROBE AND CHATKA MALOLATKA / 2019 / installation
 
all works courtesy of the artist and Simon Lee Gallery, London
 

 

 

 

Paulina Ołowska’s many-sided practice is inspired by modernist utopias, American and Eastern European popular culture and notions of feminism, design and consumerism. She frequently references figures of the past and excavates often forgotten stories, aiming to understand a story’s intrinsic value from the contemporary and historical points of view. Apart from that, she explores the living and working conditions in remote rural environments.

Destroyed Woman is a project by Paulina Ołowska loosely inspired by three short stories “about decay and passion”, written by Simone de Beauvoir and published in 1967. Ołowska’s reinterpretation of de Beauvoir’s tales on aging, loneliness and love as experienced by female protagonists offers a new, contemporary perspective on the representation of women, and on women’s vulnerability. Destroyed Woman consists of a series of sculptures, developed in collaboration with fashion designer Michał Wisniewski, and based around the designer’s dresses, which have been first buried in the ground, then excavated, their petrified forms encased by a metal frame and crowned by a ceramic house, which takes the place of a mannequin’s head.

For Biennale Gherdëina 7, Paulina Ołowska presented a site-specific version of her acclaimed performance-cum-tableau vivant Slavic Goddesses and the Ushers, staged in the magical landscape of Pilat hill.

Having often addressed questions of feminism and cultural convention, Paola Orlowski revisits the work of Zofia Stryjeńska (1891–1976) exploring the visionary Polish artist’s notion of ballet as a “wreath of ceremonies,” and designing costumes after her 1918 painting series Bożki słowiańskie (Slavic deities). These surreal garments, with their enormous headdresses and their decorations of peacock feathers and wheat stalks, present fanciful figures from Slavic mythology and folklore: goddesses of mischief, prosperity, fate, spring, winter, and the skies, with “bodies of clay, hair of wheat or branches, thorns and thistle”. An original score by American artist Sergei Tcherepnin mixes cosmic sounds together with traditional Mazurkas, Polkas, and Oberkas, as well as “spiritual disco” and Val Gardena’s local musical tradition. Tcherepnin has decided to compose an electronic variation, an ethereal, site-specific soundscape, played through loudspeakers, a music for the Slavic goddesses to move and dance to.